29-я линия В.О. ⇒ Санкт-Петербург

Мощное сталинское здание с колоннами на 29 линии. Пять этажей, битком набитых живописью, графикой и скульптурой. Видеопрезентации, интервью с художниками. Перформансы и концерты на вернисаже. 30 сентября официально открылся музей «Эрарта» – крупнейший в России частный художественный музей. Это было именно официальное открытие, так как в реальности музей начал принимать посетителей еще летом. В нем уже успели побывать и журналисты, и искусствоведы, и просто владеющие информацией любители искусства. Теперь же «Эрарта» начала регулярную работу: с рабочими часами, одним выходным и регулярной сменой экспозиции. Что выставляет музей?
   Прежде всего, свою коллекцию: около 2000 произведений преимущественно петербургских художников конца ХХ века и наших современников. Здесь и последние представители неофициального искусства – Николай Сажин, Елена Фигурина, Феликс Волосенков, и арт-деятели развеселых девяностых – Артур Молев, Гавриил Лубнин, Борис Кошелохов, и представители самого активного ныне арт-поколения, художники, которым сейчас от 30 до 40 – Александр Дашевский, Петр Белый, Виталий Пушницкий, Петр Швецов.
   Отметим, что музей, хотя и называет себя музеем современного искусства, упор делает, прежде всего, на традиционные жанры, в первую очередь на живопись. Это наверняка гарантирует ему популярность большую, чем у высокотехнологичных выставок самого дерзкого современного искусства: широкие массы населения у нас воспринимать язык современного искусства часто не умеют и учиться не хотят, а вот картины смотреть готовы. Кстати, идея просвещения своих зрителей в «Эрарте» реализована чуть ли не на каждом углу: то тот или иной художник с экрана объясняет, что он хотел сказать своим творчеством, то с доски под мрамор на нас смотрит высеченный золотом афоризм. Хочешь - не хочешь, а проникнешься уважением к искусству.
   Поскольку профессионалы мира искусства имели возможность познакомиться с «Эрартой» и ее коллекцией еще несколько месяцев назад, то разговоры о ней шли еще до открытия. Искусствоведы соглашались, что коллекция музея обширная, но ей не хватает структуры. В коллекции соседствуют экспериментаторы и консерваторы, представители совершенно разных жанров, мощные авторы и откровенно «проходные». Дизайн, надо сказать, вызывает чуть ли не больше комментариев, чем сама экспозиция. Приходите к «Эрарте» вечером, когда темно – сквозь стеклянные двери будет светиться адским багровым светом название музея, увековеченное в неоновых лампах. «Лицо» музея – центральный вход – напоминает не то reception средней руки отеля, не то ночной клуб: роскошная стойка, это самое пламенное «Эрарта» над ней, зеркала и прочая роскошь.
   Перед классическим портиком входа в музей – две огромных скульптуры из дамасской стали работы Дмитрия Жукова, под ними подписи: одну скульптуру зовут «Эра», другую – «Арта».
   Сами они более всего напоминают многократно увеличенные статуэтки-призы каких-нибудь фестивалей или конкурсов, например «Тэффи» или, чем черт не шутит, даже «Оскара». «Богато!» – выдыхали у дверей музея впервые попавшие туда зрители.
   Особенно неуютно чувствовали себя профессионалы искусства, привыкшие к минималистичному, аскетичному оформлению выставочных пространств.
   Интерьер «Эрарты» тут же заклеймили новорусским – то есть, щеголяющим неуместной показной роскошью. Отсыл к «Новым русским» казался логичным: владелица музея и его коллекции Марина Варварина – как раз из «новых русских» 1990-х, вдова убитого в 2000 году бизнесмена Дмитрия Варварина, от которого в наследство она получила концерн «Орими».
   Нищие, но обладающие тонким вкусом искусствоведы не могли отказать себе в удовольствии пнуть эстетические предпочтения миллионерши. Однако если подумать – широкая публика (а ведь «Эрарта» рассчитывает именно на широкую публику, а не только на круг профессиональных ценителей) в целом тоже не отличается излишней эстетической продвинутостью.
   В вину «Эрарте» можно ставить сумбурность коллекции и гниловатый душок наследия «левого ЛОСХа», но при имеющемся в Петербурге дефиците выставочных пространств для современного искусства она, возможно, возьмет на себя просветительскую миссию. А там, глядишь, и образованный, интересующийся и тонко чувствующий зритель сформируется.

Виктор Вазарели - неординарный французский художник, который на протяжении всей своей жизни старался удивить зрителя и обмануть его мозг.
   Игра иллюзий привлекала художника. Он продолжал свои эксперименты до тех пор, пока не запатентовал свой собственный метод создания художественного произведения. Случилось это в 1955 году, с этого времени графические иллюзии можно было создавать без участия автора, но с одним лишь условием: набор для творчества был ограничен конкретным количеством цветных геометрических фигур.
   Можно было использовать: по три фигуры красного, зеленого, синего цвета; по две желтых, фиолетовых; по одной черной, белой и серой; доступно было три круга, по два квадрата и ромба, еще имелась пара прямоугольников и треугольников; из округлых фигур использовались овалы и рассеченные круги по две штуки.